Del 918: Octoberrevolutionen

Ett av mina större projekt för 2010 är att skriva en ny bok som skall behandla estetiken och den institutionella teorin. Det kan verka vara ett stort område, och är det också, men det skall främst handla om hur det kom sig att estetiken försvann som konstens givna ledmotiv.

Förmodligen sker den avgörande bataljen under 1980-talet i New York. Denna strid, som nog så självklart handlar om postmodernismen inträde, har konsekvenser på vilka den internationella samtidskonsten alltjämt vilar tungt. Händelseutvecklingen startade i slutet av 1970-talet och kombattanterna var å ena sidan det nya måleriet, ”New Image” med storheter som Julian Schnabel, David Salle, Erich Fischl och å den andra tidskriften October som startade 1976. October hade en mäktig redaktion: Rosalind Krauss, Craig Owens, Douglas Crimp, Benjamin Buchloh. October attackerade måleriet och modernismen och favoriserade approprieringskonst och fotokonceptualism. De konstnärer som framhölls var bland andra Sherrie Levine, Cindy Sherman, Robert Longo, Louise Lawler. På motståndarsidan framträdde en rad kritiker som Robert Storr, Robert Pincus-Witten, Barbara Rose och inte minst den konservativa tidskriften New Criterion med Hilton Kramer och Roger Kimball i spetsen. Någonstans i mitten fanns konstnären och kritikern Thomas Lawson.

Octobers utgångspunkt var marxistisk, en politisk linje som backades upp av postmodern filosofi som främst hämtades från Derrida och Roland Barthes. Man agiterade för en hårdför social konstruktivism som inte minst involverade ”postfeminism” i kontrast till 70-talets särartsfeminism. Den egentliga fienden var kapitalismen, borgerskapet, modernismen och måleriet vilka alla befanns skyldiga i det konsumtionssamhälle som växt fram och förvandlat konsten till en simpel vara.

Inledningsvis verkade det som om Octoberredaktionen stod långt ifrån sina målsättningar. Måleriet fick en väldig dominans under 1980-talets första hälft när Julian Schnabel var den verkliga storheten. Det nyexpressiva måleriet bröt fram överallt, inte bara i USA utan också i Tyskland och Italien. Men redaktionen hamrade på med sina ofta svårlästa texter och mot slutet av 1980-talet stod de som segrare: Julian Schnabel utbytt mot Cindy Sherman. Estetiken utbytt mot dekonstruktionen. Dekonstruktionen var grundtanken. Den konst som förordades av October skulle montera ner den existerande bildvärlden och visa vilka politiska postulat och manipulationer som fanns under ytan. Den avgörande fördel som man hade var naturligtvis att man kom med något nytt och originellt, en starkt teoretiskt orienterad infallsvinkel som gav upphov till en konst som var helt annorlunda än nyexpressionismen. ”Originalitet” var dock ett modernistiskt begrepp som avskyddes av October.

Octoberutspelet under 1980-talet var en excess i fransk postmodernism och förefaller idag närmast parodiskt och dessutom troskyldigt. Enkelt formulerat (1979) har dock programmet ännu full giltighet: ”art is not a timeless manifestation of human spirit, but the products of a specific set of temporal and topical, social and political conditions. The investigation of these conditions defines for us the activity of postmodernism.”

Från den andra sidan menade Barbara Rose i sitt försvar av måleriet att “The capacity of painting is to evoke, imply and conjure up magical illusions that exist in an imaginative mental space and achieve transcendence.” (1979 i American Painting: The Eighties)

Det blev alltså October som gick segrande ur bataljen och redaktionens idéer spriddes under de kommande åren över hela världen. Estetiken ersattes av dekonstruktionen. Dekonstruktionen har sedan förändrats till en något lättare diskurs dessutom mer inriktad på politiskt innehåll.. Approprieringen har också ändrat gestalt från att vara mer eller mindre bokstavlig till att utformas genom referens och citat.

Problemet med en politisk konst och dess publik var välkänt och diskuterades ingående under stora delar av 80-talet. Det är samma diskussion som vi har idag.

levine-sh-unt-78-oct-no-8-79mind.JPG
Sherrie Levine Utan titel 1978 (Återgiven i October 1979)
(profilen av president Kennedy)

Publicerat i konstteori, Tillståndet i konsten 2010 | 17 kommentarer

Del 917: Om att det omutligt är annorlunda

I senaste numret av Axess finns ett samtal mellan Stig Larsson, Ulf Linde och Sven-Olov Wallenstein. Ämnet är förstås konstens nuvarande elände. Ulf Linde ondgör sig på postmodernismen som förstörde konsten. Men Walle finner i sin slutreplik en utväg som samtliga tycks vara nöjda med. Han menar att var tid har sina referenser som de delar och är entusiastiska för. Själv medger han att han har börjat få svårt för samtidskonsten. De unga idag ser inte samma filmer och har inte samma favoritkonstnärer som han själv.

Ett förödande svar. Det var inte bättre förr men annorlunda. Den äldre generationen kan känna en trötthet inför de yngres omtagningar av saker de känner till alltför väl men kan inte göra något åt det. Det hjälper inte att påpeka det. Trots att något kan verka vara samma sak är det inte så.

Situationen i konsten kan i ett vidare perspektiv beskrivas som uttalat standardmässig utan några stora överraskningar. För generationen efter postmodernismen, efter den relationella estetikens och den sociala kritikens framväxt finns det inte så mycket att jämföra med. I ett kort perspektiv är det inget problem att uppfatta ”tillräckligt ny och intressant konst”.

Nu är det t ex snart dags för Whitneybiennalen (februari) där några nya grepp kan noteras. Kungörandet av de deltagande konstnärerna ägde rum genom uppläsningar på olika platser i museet (video av framförandet finns på hemsidan). För första gången är det flera kvinnor än män. Och om det politiska säger curatorerna Bonami och Gary Carrion-Murayari att: ”…there wouldn’t be as many political statements as in past Biennials, some artists have, Mr. Bonami said, “used their own personal experiences to explore political issues.”

Mindre politik, mera kvinnor samt totalt sett färre konstnärer än senast (från 82 till 55).

schmidt-aurel-the-fall-2010mind.JPG
Aurel Schmidt: The Fall 2010 – kommer att visas på Whitneybiennalen

Publicerat i aktuellt i konstvärlden, Biennaler | 4 kommentarer

Del 916: En färd till Indien där en fjäril ställer till besvär

Den indiska konstnären Nasreen Mohamedi (1937-1990) ingår i utställningen om indisk konst i Lunds konsthall (till 24 januari) och Frans Josef Peterson har recenserat i Aftonbladet. Han kommer ofta med intressanta uppslag i sina kritiker men med slutledningarna är inte alltid lika övertygande. Mohamedi är inte alldeles lätt att placera in i konsthistorien och det är fortfarande en öppen affär om vilket spår hon kommer att avsätta. Utsikterna är dock rätt goda eftersom konstnären representerar intressant konst utanför västvärlden men med anknytning till den och sådant står högt i kurs. Å andra sidan är det mycket av en soloprestation som måhända gör hennes konst mera till en kuriositet än en tillräckligt betydande del av konsthistorien. Men hela denna sak avhänger hur hon kommer att behandlas. Hur hon kommer att omskrivas, hur mycket och i vilken utsträckning hon kommer att visas framöver. Även döda och något isolerade konstnärer måste bekräftas. Man kan konstatera att hon redan har fått åtskillig uppmärksamhet. Hennes arbeten har bland mycket annat ställts ut i New York 1997 och hon deltog på Documenta 2007. Inte heller är hon avskuren från den västerländska konsthistorien eftersom hon fick sin utbildning i London.

Frans Josef ger sig ut på en rätt omständlig resonemangstur:

”De som inte låter sig imponeras kan naturligtvis avfärda hennes arbete som en anakronism, en harmlös och esteticerad avantgardism utan kontakt med en politisk verklighet.
De som tvärtom ser henne som en orättvist förbisedd konstnär, måste ta ställning till hur konsthistorien kan skrivas om för att omfatta en icke-västerländsk konstnär på egna meriter snarare än som en mindre förskjutning av en redan existerande kanon.
Problemet med båda dessa förhållningssätt är att de inte beaktar det fjärilslika i Mohamedis bilder, deras anspråk på att överskrida sina historiska omständigheter. Vilket nog säger något om varför hon uppmärksammas just nu: hennes verk upprättar ett avstånd till postmodernismens krav på att historisera varje given position utifrån föreställningen om att själv vara i besittning av ett upphöjt historiskt medvetande. De pekar på en blindhet i oviljan att se ett konstverks betydelse som en möjlighet bortom samtidens omedelbara horisont.”

Det är en besynnerlig anklagelse mot postmodernismen. En betydande, för att inte säga avgörande del, av den postmoderna läxan är historiens betydelse. Ingen undkommer att häfta fast vid sin egen tid och de referenser man har tillägnat sig. Därmed är naturligtvis inte allt förklarat emedan något också förändras. Människan och hennes verk kan alltid vara överskridande. Inte heller handlar det om att den postmoderna teorin skulle ”vara i besittning av ett upphöjt historiskt medvetande.” Det är bara det banala faktum att man hade en bättre teori än modernismen som ville förklara konsten som ett uttryck för upphöjd och autentisk översinnlighet.

Att reda ut ”det fjärilslika” i bilderna torde inte vara så svårt. Kritiker och konsthistoriker brukar inte ha några större svårigheter med att finna språkliga formuleringar och förklaringar för det som inte är omedelbart givet genom direkt påverkan (Mohamedis verk är för övrigt redan tämligen väl kartlagt). Någon glädje skall konstvärlden ha av sina kritiker.

nasreen-unt-1977.jpg
Nasreen Mohamedi: Utan titel, omk. 1977

Publicerat i konstteori, om utställningar m m | 2 kommentarer